2019年11月，小岛秀夫工作室的首部作品死亡搁浅（Death Stranding）正式发售。这款被寄予厚望的“年度话题之作”在发售后迅速引发争议：IGN为其打出6.8分的平庸评价，而玩家社区却给出高达9分的平均分。媒体与玩家的两极分化不仅让死亡搁浅成为舆论焦点，更折射出游戏行业评价体系的深层矛盾——当游戏试图突破传统框架、以实验性叙事挑战玩家习惯时，究竟应该以何种标准衡量其价值？
割裂的评分：媒体批判与玩家共鸣的错位
从媒体视角来看，死亡搁浅的缺陷主要集中在玩法机制上。IGN批评其“核心玩法重复单调”“叙事节奏拖沓”，GameSpot则认为“送货模拟器的体验过于枯燥”。这类评价指向一个核心问题：游戏是否符合传统意义上的“可玩性”标准。在主流3A游戏中，“战斗”“成长”“探索”等要素通常构成核心玩法循环，而死亡搁浅却以“重建连接”为主题，将玩家置于一个强调“孤独行走与互助”的开放世界中。送货任务的机械性、缺乏即时反馈的社交系统，以及碎片化的叙事方式，与传统动作冒险游戏的爽快感背道而驰，导致媒体评测者普遍感到不适。
玩家群体的反馈却呈现另一幅图景。在Metacritic上，超过1.5万名玩家为死亡搁浅打出9.0分的高分，Steam平台的好评率长期维持在90%以上。玩家普遍称赞其“颠覆性的情感体验”“哲学深度的叙事”以及“疫情时代下对人际连接的预言”。这种反差背后，是两种评价维度的冲突：媒体更倾向于从游戏设计的技术层面进行拆解，而玩家则更关注作品带来的情感共鸣与思想冲击。
实验性叙事的困境：艺术表达与商业逻辑的博弈
死亡搁浅的争议本质上是一场关于“游戏是否应该被归类为艺术”的古老辩论的延续。小岛秀夫试图通过这款作品探索游戏的叙事边界：长达10小时的过场动画、晦涩的符号隐喻（婴儿、脐带、冥滩）、诺曼·瑞杜斯与麦斯·米科尔森等好莱坞演员的参演，无不彰显其“电影化叙事”的野心。这种创作理念与主流游戏工业的“玩法优先”原则形成直接冲突。
传统游戏评测体系建立在对玩法、画面、操作等可量化指标的评估上，而死亡搁浅的叙事实验恰恰弱化了这些要素。例如，游戏中的“送货”机制并非为了提供传统意义上的“乐趣”，而是服务于“重建破碎世界”的主题表达。这种设计让部分玩家感受到独特的沉浸感，却也导致媒体评测者认为其“缺乏游戏性”。正如卫报所评论：“小岛秀夫似乎在挑战玩家对‘游戏’的定义，但这让评测者陷入两难——我们该用怎样的语言评价一件难以被归类的事物？”
玩家社区的“反叛”：后现代游戏审美的崛起
玩家评分与媒体评价的割裂，也折射出游戏文化权力的转移。在社交媒体时代，玩家不再是被动接受媒体观点的群体，而是通过直播、视频评论、社区讨论构建自己的话语体系。对于死亡搁浅，玩家更倾向于将其视为一种“文化事件”而非单纯的娱乐产品。疫情背景下，游戏中对“隔离”“连接”“集体创伤”的探讨意外与现实产生共振，进一步强化了玩家的情感认同。
小岛秀夫的个人品牌效应不可忽视。作为合金装备系列的缔造者，他积累了大量忠实粉丝，这些玩家更愿意包容作品的实验性，甚至将其视为“作者性”的体现。Reddit上有玩家直言：“小岛的游戏从来不只是游戏，而是一场需要耐心品味的艺术展。”这种态度挑战了传统评测体系对“游戏”的狭义定义，也反映出后现代玩家对多元化表达的渴求。
行业反思：评价体系需要一场“范式革命”
死亡搁浅的评分争议暴露出游戏行业评价体系的局限性。当游戏作为一种媒介日益成熟，其评价标准却仍停留在“玩法-画面-剧情”的三元框架中，缺乏对艺术创新、文化价值、社会意义的评估维度。独立游戏评论人马克·布朗（Mark Brown）曾指出：“我们需要建立一种新的评测语言，既能分析黑暗之魂的关卡设计，也能讨论极乐迪斯科的政治隐喻，甚至理解死亡搁浅的哲学野心。”
这种变革的阻力不仅来自媒体，也来自市场。3A游戏的开发成本攀升迫使厂商追求“安全”的设计公式，而死亡搁浅的商业成功（全球销量突破500万份）证明，玩家愿意为实验性作品买单。这或许会推动行业重新思考“风险与创新”的平衡点。正如小岛秀夫在采访中所说：“如果所有人都做同样的游戏，这个行业将失去进化的可能。”
结语：争议本身即是价值
死亡搁浅的评分割裂绝非偶然，而是游戏作为“第九艺术”在进化过程中的必然阵痛。它迫使行业直面一个核心问题：当游戏试图超越娱乐功能、承载更复杂的表达时，我们是否准备好以更开放的姿态接纳这种变革？这场争议的价值或许不在于评判孰对孰错，而在于它揭示了一个事实——游戏的边界正在被重新定义，而每一次定义权的争夺，都将推动这个行业走向更广阔的天地。
